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{{seriesTitle}} - La serie de libros

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Descubre un mundo infinito de historias

Escucha y lee

Daniel Chávez Landeros

A noncommissioned officer of the Nicaraguan National Guard travels to New York to meet the famous bodybuilder, Charles Atlas. When he approaches his hero, he finds a body pierced with syringes and tubes, a cyborg of fragile artificial life. In the garden of a Central American dictator’s mansion, a prisoner is locked in a cage next to a lion’s. Nature and animal instinct will take their course. In post-Sandinista Nicaragua, an amputee policeman must face—alone and wounded—a drug gang commanded by his former guerrilla leader. Despite the gravity and violence present in many of Sergio Ramírez Mercado’s short stories and novels, his writing is governed by irony and parody. Fábula del Poder proposes a novel critical assessment of the narrative work of Ramírez, who won the Cervantes Prize in 2017, emphasizing the mechanisms of representation and criticism of power in contemporary Latin American literature. In an entertaining and dynamic way, the book applies an interdisciplinary, theoretical approach, borrowing concepts from political theory, literary criticism, video games, visual culture, and sports, and reviews the contemporary historiography of Nicaragua and Latin America.

Un suboficial de la Guardia Nacional de Nicaragua viaja a Nueva York para conocer al célebre fisicoculturista Charles Atlas. Cuando logra acercarse al héroe, encuentra un cuerpo traspasado de jeringas y mangueras, un cíborg de frágil vida artificial. En el jardín de la mansión de un dictador centroamericano, un prisionero es encerrado en la jaula contigua a la de un león. La naturaleza y el instinto animal seguirán su curso. En la Nicaragua post-sandinista, un policía amputado de una pierna debe enfrentar—solo y herido—a una banda de narcotraficantes comandada por su antiguo jefe guerrillero. A pesar de la gravedad y violencia de las historias contadas en muchos de los cuentos y las novelas de Sergio Ramírez Mercado, su obra está regida por la ironía y la parodia. Fábula del Poder propone una novedosa valoración crítica de la obra narrativa de Ramírez, quien recibió el Premio Cervantes en 2017, haciendo énfasis en los mecanismos de representación y crítica del poder en la literatura contemporánea de América Latina. De manera amena y dinámica el libro utiliza un marco teórico interdisciplinario y aplica conceptos de teoría política, crítica literaria, videojuegos, cultura visual y deportiva, y repasa la historiografía contemporánea de Nicaragua y América Latina.

Purdue University Press

Purdue Studies in Romance Literatures

Fábula del Poder: Corporalidad, biopolítica y violencia en la narrativa de Sergio Ramírez

Marco Ramírez Rojas

Cartografías cosmopolitas: León de Greiff y la tradición literaria analyzes the poetic works of this twentieth-century Colombian writer as a manifestation of cosmopolitanism, global cultural cartographies, and a self-fashioned poetic genealogy. Ramírez Rojas approaches de Greiff’s poems as cultural maps that reveal both a desire of connectivity with the world and a need for reorganizing the imaginary library of world literature. From a self-assumed position of eccentricity, de Greiff builds a network of global connections and disputes the binary division of cultural centers and peripheries, revendicating marginality as a productive condition. The study of this alternative cosmopolitanism brings de Greiff’s writings into current debates about Latin America’s cultural positionality within the frame of global cultural networks and world literature.

Cartografías cosmopolitas: León de Greiff y la tradición literaria analiza la obra de este poeta colombiano del siglo XX como una manifestación de cosmopolitismo, cartografías culturales globales y la construcción de una genealogía poética. Ramírez Rojas se acerca a los poemas de León de Greiff como mapas culturales que revelan tanto un deseo de conexión con el mundo como una necesidad de reorganizar el archivo imaginario de la literatura mundial. Desde una asumida posición de excentricidad, de Greiff construye una red de conexiones globales y pone en cuestión las divisiones binarias de centro y periferia, reivindicando así su marginalidad como una condición productiva. El estudio de este cosmopolitismo alternativo contextualiza los textos de León de Greiff en los debates actuales sobre el posicionamiento de América Latina dentro de las redes de cultura global y de la literatura mundial.

Cartografías cosmopolitas: León de Greiff y la tradición literaria

Elena Valdez

Las ciudades del deseo explores the representations of gender, sexuality, and urban space in contemporary narratives from Cuba, the Dominican Republic, and Puerto Rico. By examining a corpus of novels published since 2000, this book shows how the changes in urban landscape create a new image of the city that destroys traditional gender roles and produces different discourses on sexuality. At moments of crisis in political agendas that took place between 1990 and 2000, queer subjects became spokespeople outlining new national projects on each island, while claiming space in the national imaginary. The nation is no longer built on blood ties, patriarchal norms, or biological procreation, but rather starts incorporating previously excluded racial identities and sexual practices. By juxtaposing the narratives of the three countries and putting into dialogue the topics of nationality, sexuality, urban space, and sex tourism, Las ciudades del deseo breaks away from a tradition that tends to study them separately. The book contributes new perspectives on an emerging culture of resistance to heteronormative dynamics and power structures that is developing simultaneously in Cuba, Puerto Rico, and the Dominican Republic. It sheds light on larger connections between literature and LGBTQ activism in the Spanish-speaking Caribbean.

Las ciudades del deseo explora las representaciones del género, la sexualidad y el espacio urbano en la narrativa contemporánea de Cuba, la República Dominicana y Puerto Rico. Aportando un análisis de varias novelas publicadas después de 2000, el libro muestra cómo los cambios del paisaje urbano crean una imagen nueva de la ciudad que destruye roles de género tradicionales y produce múltiples discursos de sexualidad. Durante la crisis de las agendas políticas que sucede en 1990–2000 los sujetos queer esbozan nuevos proyectos nacionales en cada isla. La familia como metáfora de la nación deja de basarse en los lazos de sangre, normas patriarcales y procreación biológica. En cambio, empieza a incorporar identidades raciales y prácticas sexuales. Yuxtaponiendo las narrativas de los tres países y poniendo en diálogos los temas de la nación, la sexualidad, el espacio urbano y el turismo sexual, Las ciudades del deseo rompe con una tradición que tiende a explorarlos por separado. El libro contribuye a una perspectiva nueva de la emergente cultura de resistencia contra las dinámicas heteronormativas y estructuras de poder que se está desarrollando simultáneamente en los tres países y establece conexiones extensas entre la literatura y el activismo LGBTQ en el Caribe hispano.

Las ciudades del deseo: Las políticas de género, sexualidad y espacio urbano en el Caribe hispano

Carmen Pereira-Muro

Lugar de Emilia Pardo Bazán en la literatura española y gallega se ha ganado duro, y ella todavía no ha recibido el reconocimiento que se merece. En Género, nación y literatura: Emilia Pardo Bazán en la literatura gallega y Española, Carmen Pereira-Muro estudia la obra y personalidad de este fascinante autor en el contexto de los nacionalismos que compiten español y gallego. Ella vuelve a leer las historias literarias y cánones nacionales de España y Galicia como narrativas patriarcales que luchan para asimilar o silenciar proyecto nacional alternativo de Pardo Bazán. 

Pereira-Muro sostiene que Pardo Bazán postuló la inclusión de las mujeres en la cultura nacional como un paso clave para eludir la lógica representacional detrás de realismo y el liberalismo en el estado-nación moderno. Al insistir en que las mujeres deben ser socios iguales, Pardo Bazán adoptó problemáticamente el binarismo patriarcal que asigna a la mujer a la naturaleza y los hombres a la cultura, pero también subvierte que al negar su relación complementaria. Su elección astuta y manipulación de modelos culturales masculinos (Realismo, no Romanticismo; prosa, no la poesía; lengua castellana, no gallego) en última instancia, su- a pesar de la feroz oposición ganaron inclusión en el canon nacional español. Por otra parte, el estudio de sus relaciones con espinosos emergente nacionalismo gallego muestra que su exclusión de la "literatura gallega" se debió en gran parte a su actuación transgresora género. Finalmente Pereira-Muro sostiene que en la última novela del autor, Pardo Bazán experimentó con la creación de una escritura femenina y una femenina canon para España. Sin embargo, la política de género predominantes aseguraron que sólo su producción realista (masculino) lo hizo en el canon español, y no este último modernista escrito, (femenino). 

En conclusión, este libro cuestiona la naturalización de los cánones nacionales por el descubrimiento de las políticas de género detrás de lo que se echa determinada como natural por idiomas y geografía. Hacer esto también expone a las restricciones de género paralelas en el trabajo detrás aparentemente opuestos central (español) y (Galicia) proyectos nacionales periféricos.

Emilia Pardo Bazan's place in Spanish and Galician literatures has been hard won, and she has yet to receive the recognition she deserves. In Género, nación y literatura: Emilia Pardo Bazán en la literatura gallega y Española, Carmen Pereira-Muro studies the work and persona of this fascinating author in the context of Spanish and Galician competing nationalisms. She re-reads the literary histories and national canons of Spain and Galicia as patriarchal master narratives that struggle to assimilate or silence Pardo Bazán's alternative national project.

Pereira-Muro argues that Pardo Bazán posited the inclusion of women in the national culture as a key step in circumventing the representational logic behind Realism and Liberalism in the modern nation-state. By insisting that women should be equal partners, Pardo Bazán problematically adopted the patriarchal binarism that assigns women to Nature and men to Culture, but she also subverted it by denying its supplemental relationship. Her astute choice and manipulation of masculine cultural models (Realism, not Romanticism; prose, not poetry; Castilian language, not Galician) ultimately won her-despite fierce opposition-inclusion in the Spanish national canon. Furthermore, the study of her thorny relations with emerging Galician nationalism shows that her exclusion from "Galician literature" was due largely to her transgressive gender performance.

Finally Pereira-Muro contends that in the author's last novel, Pardo Bazán experimented with creating a feminine writing and a feminine canon for Spain. Nevertheless, the prevailing gender politics ensured that only her realist (masculine) production made it into the Spanish canon, and not this last, modernist (feminine) writing. In conclusion, this book questions the naturalization of national canons by uncovering the gender politics behind what is cast as naturally determined by language and geography. Doing this also exposes the parallel gender strictures at work behind seemingly opposed central (Spanish) and peripheral (Galician) national projects.

Género, nación y literatura: Emilia Pardo Bazán en la literatura gallega y española

José Luis Gastañaga Ponce de León

A las narraciones en primera persona del pasado no siempre les viene bien el nombre de autobiografías. En los siglos anteriores a la definición del género, quienes escribían la historia de sus vidas con frecuencia utilizaban como modelo para sus narraciones los textos que gozaban de mayor prestigio, como la hagiografía, la historiografía y las misceláneas. Caballero noble desbaratado: Autobiografía e invención en el siglo XVI analiza un conjunto de narraciones españolas en primera persona y sus condiciones de escritura y recepción. Se concentra en el Libro de la vida y costumbres/i> de Alonso Enríquez de Guzmán (1499–1547), el caballero del título.

El estudio se abre con algunos antecedentes de esa obra central: el Memorial de Leonor López de Córdoba de fines del siglo XIV, que narra pasajes difíciles de su vida; la Breve suma de la vida y hechos de Diego García de Paredes, que cuenta duelos y batallas para dejar a su hijo una lección sobre el honor y el coraje; y Cautiverio y trabajos de Diego Galán, un relato de cautiverio entre musulmanes y posterior huida que nos propone un ejemplo temprano de autobiografía novelada. También se examina la influencia de escritores como Bartolomé de Torres Naharro, Antonio de Guevara y Pedro Mexía, así como vitalidad de la poesía lírica, culta y popular, en ambos lados del Atlántico.

Aunque Alonso Enríquez de Guzmán ha merecido una edición en la Biblioteca de Autores Españoles, nunca se le ha dedicado hasta hoy un libro. Este ensayo llena ese vacío, presenta lecturas novedosas de los autores escogidos y se constituye en un valioso aporte para el estudio de la autobiografía en lengua española.

First-person narrative does not always fall under the genre of autobiography. In the centuries before the genre was defined, authors often patterned their personal narratives after prestigious discourses, such as hagiography, historiography, and the literary miscellany. Caballero noble desbaratado: Autobiografía e invención en el siglo XVI analyzes several first-person narratives from Spain and the conditions of their writing and reception. It focuses on the sixteenth-century Libro de la vida y costumbres by Alonso Enríquez de Guzmán (1499-1547), the knight of the title.

One chapter looks at antecedents to the central work: the late fourteenth-century Memorial by Leonor López de Córdoba, who narrates difficult passages of her life; the Brief Summary of the Life and Deeds by Diego García de Paredes, who speaks of duels and battles as an object lesson in honor and courage for his son;and Cautiverio y trabajos by Diego Galán, a tale of captivity and flight in Muslim lands that constitutes an early example of fictionalized autobiography. The study also examines the influence of writers like Bartolomé de Torres Naharro, Antonio de Guevara, and Pedro Mexía and the vitality of lyric poetry on both sides of the Atlantic.

Although the Biblioteca de Autores Españoles has devoted a volume to Enríquez de Guzmán, there has never been a book-length study dedicated to this author. This book fills that gap and constitutes a valuable contribution to the study of autobiography in Spanish.

Caballero noble desbaratado: Autobiografía e invención en el siglo XVI

Alicia Rita Rueda-Acedo

Voces de mujeres han sido sistemáticamente silenciado o se omite por completo cuando una nación se reúne su narrativa histórica. En Miradas Transatlánticas: El periodismo literario de Elena Poniatowska y Rosa Montero, Alicia Rita Rueda-Acedo examina la relación entre la obra periodística y literaria de los dos escritores con nombre en el título, ya que utilizan una combinación distinta del periodismo y la ficción para crear nuevos espacios donde las voces y experiencias de las mujeres pueden estar situados prominente en las narraciones históricas de sus naciones.
Rueda-Acedo analiza las obras de los dos escritores desde las perspectivas de género y los estudios de género, la ampliación de la noción de género de la tradición literaria y su aplicación a la producción periodística. Cada uno de los capítulos replantea y revisa el concepto de los géneros literarios con el argumento para la inclusión de la entrevista, el reportaje, el artículo, y la crónica en la categoría de literatura. En su estudio de Las siete cabritas por Poniatowska y Historias de mujeres por Montero, Rueda-Acedo argumenta con éxito que se trata de obras de homenaje a las mujeres que han influido en la historia. Al interpretar y subvertir los modelos patriarcales, los escritores llaman la atención sobre las formas en que las mujeres se han involucrado la historia mexicana, española y universal. Rueda-Acedo se centra en las características de la entrevista periodística y propone su interpretación como un texto literario. También se propone una poética de este género.
El estudio de Rueda-Acedo explora cómo Poniatowska y Montero representan a las mujeres que han marcado la historia como parte de la agenda feminista de que los dos escritores han promovido en su producción periodística y literaria. El libro también hace hincapié en el papel de los dos escritores como investigadores y críticos y profundiza el debate animado sobre la relación entre la literatura y el periodismo que se discute actualmente en ambos lados del Atlántico. 

Women’s voices routinely have been muted or omitted entirely when a nation assembles its historical narrative. In Miradas Transatlánticas: El periodismo literario de Elena Poniatowska y Rosa Montero, Alicia Rita Rueda-Acedo examines the relationship between the journalistic and literary work of the two writers named in the title as they utilize a distinct combination of journalism and fiction to create new spaces where women’s voices and experiences may be situated prominently in their nations’ historical narratives. Rueda-Acedo analyzes the works of the two writers from the perspectives of both gender and genre studies, extending the notion of genre from the literary tradition and applying it to journalistic production. Each of the chapters rethinks and revises the concept of literary genres by arguing for the inclusion of the interview, the reportage, the article, and the chronicle within the category of literature. In her study of Las siete cabritas by Poniatowska and Historias de mujeres by Montero, Rueda-Acedo argues successfully that these are works of homage to women who have influenced history. By interpreting and subverting patriarchal models, the writers draw attention to the ways in which women have engaged Mexican, Spanish, and Universal history. Rueda-Acedo focuses on the characteristics of the journalistic interview and proposes its interpretation as a literary text. A poetics of this genre is also proposed. Rueda-Acedo’s study explores how Poniatowska and Montero represent women who have marked history as part of the feminist agenda that the two writers have promoted in their journalistic and literary production. The book also emphasizes the role of the two writers as researchers and critics and deepens the vibrant debate about the relationship between literature and journalism currently being discussed on both sides of the Atlantic.

Miradas transatlánticas: El periodismo literario de Elena Poniatowska y Rosa Montero

Guadalupe Martí-Peña

Entre los mltiples modos de acercarse a un autor tan polifactico y prolfico como el escritor peruano Mario Vargas Llosa, quien gan el premio Nobel de 2010, Guadalupe Mart-Pea ha elegido ver al novelista como ilusionista. Estudia ese mundo de fantasas y ensueos, ese campo de guerra aparentemente inofensivo donde la literatura, el teatro, y la pintura se alan con el escritor, el soador, y el ilusionista para derrocar la realidad. Centrndose en Elogio de la madrastra y Los cuadernos de don Rigoberto, as como el efecto de la ilusin en el proceso de la lectura, arguye que Vargas Llosa hace uso de patrones teatrales, pictricos y msticos para hacernos experimentar lo irreal como real, el sueo como realidad y la magia de la ficcin como un acto que nos otorga poder.

Con base a los estudios interartsticos, la semitica y las teoras de la recepcin, analiza cmo estos textos producen en los lectores la triple ilusin de presenciar una obra dramtica, contemplar un cuadro o entreor una convers (ac)in mstica. El primer capitulo del libro se concentra en la teatralidad que anima ambos textos. Partiendo de las teoras sobre la recepcin y la semitica teatral, Mart-Pea investiga el modo en que el autor transforma la narracin en actuacin, la ficcin en performance, y el leer en ver, haciendo que los lectores experimenten la palabra escrita como una representacin viva ante sus ojos. En el segundo reflexiona sobre la funcin que desempea la pintura en la materializacin de los deseos e ilusiones de los personajes. Combinando esttica pictrica y narracin, y bajo el lente de las teoras sobre la relacin imagen-texto, examina las distintas funciones que desempean los cuadros dentro del sistema lingu.stico donde operan. En el ltimo captulo, compara los escritos de Rigoberto con la escritura de autoexamen que Michel Foucault describe en Lcriture de soi. Mientras que el asceta trata de transformar su vida en una obra de perfeccin moral alejando de l las ilusiones, Rigoberto trata de transformar su existencia en una obra de arte congregando fantasas erticas. Ambos textos encapsulan el principal ingrediente activo en la escritura de Vargas Llosa: la ficcin no es sumisin ante la vida sino por el contrario insurreccin contra ella. El ilusionismo verbal se convierte en la tctica ms eficaz para llevar a cabo tal rebelión. 

Among the multiple approaches to be taken on an author as multifaceted and prolific as the recent Nobel Laureate Peruvian writer Mario Vargas Llosa, Guadalupe Martí-Peña has chosen to look at the novelist as an illusionist. She studies this land of fantasies and daydreams, that seemingly harmless battlefield where literature, theater, and painting contend and join together with the writer, the dreamer, and the illusionist to oust reality. Focusing on Elogio de la madrastra and Los cuadernos de don Rigoberto, and the effect of illusion on the reading process, she argues that by referring to theatrical, pictorial, and mystical patterns Vargas Llosa entices us to experience, along with his characters, the unreal as real, the dream as reality, the magic of fiction as an empowering act.The book looks first at the theatricality and theatrics that enliven both texts. In the light of reader/spectator-response theories and theater semiotics, Martí-Peña shows how the novelist turns narrating into acting, fiction into performance, and reading into seeing. She next reflects upon the role that painting plays in the materialization of the characters' desires and illusions. By funneling pictorial aesthetics through the prism of narration, and by engaging with theory concerned with issues of text-image interrelations, she examines the various functions paintings play within the linguistic system. Finally, she compares Rigoberto's writing exercises to the writings of self-examination described by Michel Foucault in "L'écriture de soi." Both texts encapsulate the main active ingredient in all of Vargas Llosa's writings: that fiction is not a submission to life, but rather an insurrection against it. Verbal illusionism becomes the most efficient tactic to carry out such a rebellion.The text of this book is in Spanish.

Ilusionismo verbal en Elogio de la madrastra y Los cuadernos de don Rigoberto de Mario Vargas Llosa

Verónica Garibotto

En las últimas décadas-especialmente a partir de los noventa-ha habido una visible reemergencia del siglo XIX en la cultura del Cono Sur. Figuras decimonónicas típicas (indios, gauchos, letrados y cautivas) han reaparecido en la escena literaria de Argentina, Chile y Uruguay. Héroes como San Martín y Artigas se han convertido en protagonistas principales de la literatura, el cine y el teatro. Géneros fundantes de la identidad nacional (el relato de viaje, la poesía gauchesca, el romance nacional) se han reciclado y transformado. Textos canónicos como La cautiva, el Martín Fierro y el Facundo han sido reescritos una vez más en diferentes campos artísticos. Y controvertidos eventos históricos (las guerras civiles, las masacres de las comunidades indígenas) han sido revisados y vueltos a narrar. Combinando el análisis textual con una perspectiva más abarcadora anclada en la teoría cultural, este libro responde a dos preguntas interrelacionadas: ¿por qué el siglo XIX ha resurgido de manera tan fuerte en las últimas décadas? ¿Cuáles son las implicaciones ideológicas de esta reemergencia?

A través de una comparación transnacional de Argentina, Chile y Uruguay, y de una lectura de la ficción producida por figuras prominentes en los tres países (activistas políticos, intelectuales públicos y autores canónicos), Crisis y reemergencia contribuye a dilucidar cómo el campo cultural del Cono Sur ha cambiado desde los noventa: cómo la ética intelectual, las identidades nacionales y las estrategias discursivas que fueron funcionales a la consolidación del liberalismo en el siglo XIX han sido reformuladas, transformadas y repensadas en las últimas décadas. Apoyándose en el marxismo cultural, el análisis del discurso y la teoría poscolonial, el libro apunta a una triple contribución: definir los componentes ideológicos y discursivos que están en el corazón del siglo XIX, mostrar su continuidad hasta los noventa (y aclarar así las conexiones entre liberalismo y neo-liberalismo) y exponer su reciente transformaciónuna transformación que abrió el camino a lo que se ha llamado el "retorno de lo político" en la región.

In the last decades-and especially since the 1990s-there has been a noticeable reemergence of the nineteenth century in Southern Cone culture. Popular nineteenth-century figures (indios, gauchos, letrados, and cautivas) have reentered the national literary scene in Argentina, Chile, and Uruguay. Nineteenth-century heroes such as San Martín and Artigas are again the main protagonists of Southern Cone theater, film, and literature. Canonical nineteenth-century texts (La cautiva, Martín Fierro, Facundo) are being rewritten one more time in different artistic fields. Foundational nineteenth-century genres (travel narratives, gauchesque poems, and national romances) are being transformed and recycled. Controversial nineteenth-century events (the civil wars, the massacre of indigenous communities) are being revisited and explored. Through a combination of close textual analysis and a broader perspective rooted in cultural theory, this book answers two interrelated questions: Why did the nineteenth century resurface so strongly in the last decades? What are the ideological implications of this reemergence?

Based on a transnational comparison of Argentina, Chile, and Uruguay, and a survey of narratives that were mostly produced by well-known figures (political activists, public intellectuals, and canonical authors), Crisis y reemergencia helps to elucidate how the Southern Cone cultural field has changed since the 1990s: how intellectuals' ethics, national identities, and discursive strategies that were functional to the consolidation of liberalism in the nineteenth century have been challenged, transformed, and rethought in the last decades. Borrowing from cultural Marxism, discourse analysis, and postcolonial theory, the book pursues a triple contribution: to define the discursive and ideological components that were at the core of the nineteenth century, to show their continuity up to the 1990s (and thus clarify the connections between liberalism and neoliberalism), and to expose their recent transformation-a transformation that paved the way for the "return of the political" to the region.

Crisis y reemergencia: El Siglo Xix En la Ficción Contemporánea de Argentina, Chile Y Uruguay (1980–2001)

Huei Lan Yen

En la segunda mitad del siglo XIX, decenas de miles de trabajadores chinos emigraron a Cuba, Perú, México y Panamá en busca de una vida mejor. En los países donde residieron, los chinos y sus descendientes optaron por asimilarse contribuyendo de manera significativa al desarrollo económico de la sociedad de acogida mediante su participación laboral en la agricultura, el transporte y otras industrias. Asimismo, en el ámbito literario, artístico, religioso y político también aportaron al devenir cultural de estos países.

En Toma y daca: Transculturación y presencia de escritores chino-latinoamericanos, uno de los primeros estudios de la tradición literaria china-latinoamericana y uno de los primeros que trata obras de autores nunca antes estudiados, Huei Lan Yen examina cómo los escritores latinoamericanos de primera y segunda generación de ascendencias china y mestiza utilizan la literatura para reconstruir, reevaluar, y renegociar sus identidades culturales. Yen sostiene que es a través de esa producción literaria que conseguimos un mejor entendimiento de las complejidades y tensiones del proceso de la transculturación Oriente-Occidente en América Latina del siglo XIX.

Explorando a gran escala la interrelación única entre los componentes de la cultura china, como el confucianismo y el taoísmo, y las culturas dominantes de América Latina, Yen demuestra que la literatura china en América Latina posee una tradición de compleja y sofisticada estética, pero siempre con sus propios rasgos distintivos culturales.

In the mid-1800s, tens of thousands of Chinese workers migrated to Cuba, Peru, Mexico, and Panama in search of a better life. As they and their descendants assimilated into their new host countries, they contributed significantly to the economies of these countries through their work in agriculture, transportation, and other industries. However, through the years and throughout their work and assimilation, they also made distinguished literary, artistic, religious, and political contributions to the cultural heritage of the region. In this seminal in-depth study of the Chinese-Latin American literary tradition, Huei Lan Yen examines how first-and second-generation Latin American writers of Chinese and mixed-race Chinese descent relied upon literature to reconstruct, reevaluate, and renegotiate their cultural identities. Yen then argues that it is through the lens of their literary output that we can best understand the intricacies and tensions of the East-West transculturation process of nineteenth-century Latin America. Prior studies have treated Chinese-Latin Americans as characters. However, this is the first sustained study of the work of Chinese-Latin American authors. Explicating the unique interplay of aspects of Chinese culture, such as Confucianism and Taoism, with dominant Latin American cultures, Yen reveals Chinese-Latin American literature as having an aesthetically complex and sophisticated tradition with a specific cultural flavor of its own.

Toma y Daca: Transculturación Y Presencia de Escritores Chino-Latinoamericanos

Javier García Liendo

El intelectual y la cultura de masas, de Javier García Liendo, estudia las respuestas intelectuales de Ángel Rama (Uruguay) y José María Arguedas (Perú) a los efectos de la cultura de masas en la cultura de la imprenta latinoamericana y en las culturas indígenas de los Andes. Explora la participación de Rama y Arguedas en la conceptualización y promoción de nuevos espacios culturales incentivados por la mercantilización y la industrialización de la cultura, según el capitalismo transformaba los imaginarios y materialidades que habían dado forma a sus proyectos culturales.

 Por medio del análisis de objetos de la cultura de la imprenta, en particular aquellos relacionados con el trabajo editorial de Rama –como los libros de bolsillo y una enciclopedia popular– este trabajo examina las transformaciones que estaban ocurriendo en América Latina, tanto a nivel de la producción como de la circulación, señalando la emergencia de nuevas redes de comunicación entre intelectuales y públicos nacionales y regionales. Similarmente, explora el rol de las tecnologías de comunicación emergentes (grabación de sonido, radio) en la reconfiguración como cultura de masas de las culturas rurales indígenas en el Perú. En este contexto, el trabajo de Arguedas con el folklore y su posterior envolvimiento con la música popular andina en Lima son estudiados como respuestas a un violento proceso de mercantilización de la cultura musical andina, incentivado por las migraciones masivas de las zonas rurales a las ciudades y la urbanización del Perú. 

 Finalmente, este libro presenta un análisis de Rama y Arguedas que trasciende su categorización como crítico literario y escritor, respectivamente, al analizar sus obras a través del concepto de práctica, el cual reúne la totalidad de su trabajo, incluyendo periodismo, antropología, folklore, edición, creación de redes intelectuales y promoción cultural. Los capítulos de este libro invitan a repensar nociones establecidas sobre la relación entre cultura y capitalismo en una época en que la revolución marcaba dominantemente el campo intelectual latinoamericano. 

El intelectual y la cultura de masas, by Javier García Liendo, studies the responses of Ángel Rama (Uruguay) and José María Arguedas (Peru) to the effects of mass culture on Andean indigenous cultures and Latin American print culture during the second half of the twentieth century. It explores the part that Rama and Arguedas played in the conceptualization and promotion of new cultural spaces made possible by commodification and industrialization, as capitalism transformed the imaginaries and materialities that had shaped their cultural projects for Andean and Latin American cultures. 

Through a material analysis of print culture objects, in particular those resulting from Rama's editorial ventures―such as pocket paperbacks and a popular encyclopedia―this work examines the transformations occurring at the time in Latin America at the level of production and circulation of culture, and thus sheds light on the emergence of new networks of communication between intellectuals and national and regional publics. Similarly, it explores the role of emergent communication technologies (sound recording and radio) in the reshaping of rural indigenous cultures into a mass-oriented popular culture in Peru. In this context, Arguedas's work with folklore and his later involvement in the Andean popular music scene in Lima are studied as responses to a violent process of commercialization of traditional Andean musical culture, a result of mass migration from rural areas to cities and urbanization. 

Finally, this book presents an understanding of Rama and Arguedas that transcends their categorization as literary critic and writer, respectively, by analyzing their work through the concept of practice, which encompasses the totality of their work, including journalism, anthropology, folklore, editorial work, intellectual networking, and cultural promotion. Its chapters invite a rethinking of established notions of the relation between culture and capitalism during the heyday of revolution in the Latin American intellectual field.

El intelectual y la cultura de masas: Argumentos Latinoamericanos En Torno a Ángel Rama Y José María Arguedas

Santiago Morales Rivera

Tras la derrota de los soixante-huitards, el colapso del comunismo europeo y la caída también en torno a 1989 de varias dictaduras y revoluciones en América Latina, el acercamiento sentimental a la historia vuelve a cosechar éxitos entre las humanidades y las ciencias sociales y políticas. En el ámbito hispánico, este "giro afectivo" lleva camino de reproducir otro fin de siècle como el que ya protagonizaron los intelectuales de 1898. Un siglo después, tanto en las universidades españolas como en las anglosajonas nociones como desencanto, trauma, memoria, y empatía informan prácticamente todos los análisis de la cultura española moderna, desde la sanguinaria guerra civil y los casi cuarenta años de fascismo hasta la decepcionante transición a la democracia. Santiago Morales interviene en este acercamiento sentimental a la historia y a la novelística de la transición, recuperando los vínculos y tensiones que mantiene la noción de melancolía con la estética del humor negro en un corpus de obras de ficción escritas entre 1976 y 1998. Mediante una metodología que alterna entre el análisis cuidadoso de novelas de Javier Marías, Gonzalo Torrente Ballester, Cristina Fernández Cubas y Juan José Millás, y el distant reading o el encuadre que coloca estos textos en una historia más amplia, Anatomía del desencanto hace una crítica del lugar equívoco que ocupan en nuestra modernidad sentimientos en otro tiempo tan nobles y obstinados como el duelo, el miedo, la culpa, y la compasión. Mientras que otros estudiosos de la transición abundan en denunciar la persistencia ominosa del franquismo y la posguerra, Santiago Morales ve en el humor negro de la melancolía una fórmula profundamente irónica: un catalizador en el crecimiento creativo y moral de la narrativa española y una herramienta crítica fundamental para cambiar la educación sentimental contemporánea. Escrito en espanõl.

After the failure of the soixante-huitards, the collapse of European communism, and the fall around 1989 of various dictatorships and revolutions in Latin America, the sentimental approach to history is again reaping successes among the humanities and the social and political sciences. In the Hispanic world, this "affective turn" is on its way to repeating another fin de siècle like the one led by the intellectuals of 1898. A century later, in both Spanish and Anglo-Saxon universities, notions such as disenchantment, trauma, memory, and empathy inform virtually all the analyses of modern Spanish culture, from the bloody Civil War and the nearly forty years of fascism that followed it to the disappointing transition to democracy. Santiago Morales intervenes in this sentimental approach to history and to the novelistic production of the transition by recovering the links and tensions that the notion of melancholy maintains with the aesthetics of black humor in a corpus of fictional works written between 1976 and 1998. Through a methodology that alternates between the careful analysis of novels by Javier Marías, Gonzalo Torrente Ballester, Cristina Fernández Cubas, and Juan José Millás, and the distant reading or framing that places these texts in a broader history, Anatomía del desencanto constructs a critique of the equivocal place held in our modern age by feelings that were, in another time, so noble and persistent, such as grief, fear, guilt, and compassion. While other specialists who study the transition today agree in denouncing the ominous persistence of Francoism and the postwar ethos, Santiago Morales sees a deeply ironic formula in the black humor of melancholy: a catalyst in the creative and moral growth of Spanish narrative and a fundamental critical tool to change contemporary sentimental education. Written entirely in Spanish.

Anatomía del desencanto: Humor, Ficción Y Melancolía En España (1976-1998)

Nuria Godón

La pasión esclava aborda la discursividad masoquista en La Regenta (1884-1885) de Leopoldo Alas, Clarín, como una estrategia subversiva de dominio y sumisión mediante la cual se rebaten los fundamentos del pensamiento liberal sobre la educación, la agencia y la libertad del sujeto moderno. Frente a las investigaciones que priman el enfoque psicoanalítico de tradición freudiana y vinculan el masoquismo a conductas perversas y pasivas, este estudio brinda una aproximación pluralista -donde destaca la perspectiva cultural, histórica-clínica y literaria- gracias a la cual es posible reubicar el masoquismo en el amplio terreno de las pasiones y subrayar la agencia y creatividad sobre las que se conforma el sentido discursivo del masoquismo transgresor en la narrativa finisecular. Nuria Godón muestra cómo la novela cumbre de Alas problematiza las propuestas de compañerismo en la sociedad moderna presentando una reformulación del contrato masoquista que parodia el contrato matrimonial, satiriza el contrato social rousseriano y cuestiona el engranaje del sistema educativo krausista. Asimismo, explora el impacto del catolicismo en la dinámica masoquista en otros textos de autores contemporáneos entre los cuales figuran Emilia Pardo Bazán y Armando Palacio Valdés, sin olvidar a Leopold von Sacher-Masoch-autor sobre el que se acuña el término de masoquismo-para explicar posteriormente cómo la influencia religiosa da forma al despliegue de la dialéctica del masoquismo femenino y filial en el contexto español trazado en La Regenta. En este sentido, La pasión esclava invita a una reconsideración del masoquismo como herramienta que hace saltar los mecanismos de sujeción genérica, susceptibles de ser observados no solo en el ámbito literario español que el libro presenta sino también dentro de otras producciones culturales.

La pasión esclava addresses the masochist discursivity of La Regenta (1884-1885) by Leopoldo Alas, Clarín, as a subversive strategy of dominance and submission through which the foundations of liberal thinking on education, agency, and freedom of the modern subject are refuted. Differing from studies that prioritize the Freudian psychoanalytic focus and link masochism with perverse and passive behaviors, this book offers a pluralist approach, where cultural, clinical-historical, and literary perspectives are essential to relocate masochism to the area of passions, while emphasizing the agency and creativity upon which the discursive meaning of transgressive masochism in fin-de-siècle narrative is articulated. Nuria Godón shows how La Regenta challenges the models of partnership in modern society by displaying a reformulation of the masochist contract that parodies the marital contract, satirizes Rousseau's social contract, and places the wheels of Krause's educational machine under scrutiny. Likewise, she explores Catholicism's impact on the masochist dynamic in other contemporary texts by authors such as Emilia Pardo Bazán and Armando Palacio Valdés, without excluding Leopold von Sacher-Masoch-the Austrian writer from whom the term masochism was coined-to further disclose how religion's influence shapes the dialectic of female and filial masochism in the Spanish context represented in Alas's masterpiece. In this sense, La pasión esclava invites one to reconsider masochism as a tool that tears apart the mechanisms of gender subjection, which are observable not only in the Spanish literary texts analyzed in this book, but also in other cultural productions.

La pasión esclava: Alianzas masoquistas en La Regenta

Claudia Cabello Hutt

Artesana de sí misma reevalua el lugar de Gabriela Mistral, premio Nobel de literatura, en la historia literaria e intelectual de America Latina. Cabello Hutt acerca a los lectores a la amplia, pero escasamente estudiada, prosa periodistica de Mistral ademas de un conjuncto de manuscritos, cartas e imagenes provenientes de archivas norteamericanos y chilenos así como del recientemente abierto archivo de su albacea y companera, Doris Dana. Artesana de sí misma explora mas alla de la ampliamente estudiada poesia de Mistral y demuestra que su prosa, representacion visual y performatividad de genero son claves para comprender la auto-construccion de esta figura como una intelectual latinoamericana y una escritora de reconocimiento internacional.

Artesana de sí misma by Claudia Cabello-Hutt reevaluates the place of Nobel laureate Gabriela Mistral in the literary and intellectual history of Latin America, illuminating and filling a number of lingering voids in the study of this canonical figure. Cabello-Hutt introduces readers to Mistral’s vast but scarcely studied journalistic prose as well as her unpublished manuscripts, letters, and images held in the United States and in newly opened Chilean archives. Moving beyond her amply discussed poetry, Cabello-Hutt demonstrates that Mistral’s essays, visual representations, and gender performance are key to understanding Mistral’s self-construction as a Latin American female intellectual and internationally recognized writer.

Artesana de sí misma: Gabriela Mistral, una intelectual en cuerpo y palabra

Iker González-Allende

Hombres en movimiento: Masculinidades españolas en los exilios y emigraciones, 1939-1999, de Iker González-Allende, es el primer estudio detallado de cómo el exilio y la emigración influyen en la masculinidad de los hombres españoles, tanto heterosexuales como homosexuales, que se ven obligados a abandonar su país. En el libro, González-Allende analiza la literatura producida por escritores españoles que desde 1939 hasta finales del siglo XX han experimentado el exilio o la emigración, cubriendo tres momentos históricos: el largo exilio republicano como consecuencia de la Guerra Civil Española (1936-1939), la emigración a Europa durante la década de 1960 debido a la crisis económica en España y la reciente emigración de intelectuales a los Estados Unidos a finales del siglo XX. Revelando experiencias recurrentes de aislamiento, inseguridad, discriminación y feminización en el país de acogida, González-Allende sostiene que el exilio y la emigración causan un sentido de crisis, impotencia e inestabilidad en la masculinidad de los hombres desplazados. El autor también examina como tendencia compensatoria que el exilio y la emigración pueden ofrecer a estos hombres una mayor sensación delibertad y una mejora de su situación económica. Cada uno de los siete capítulos analiza una variedad diferente de las masculinidades en el exilio o la emigración: el adolescente, el hombre en crisis, el hombre ocioso, el hombreque retorna a España, el hombre trabajador, el hombre onanista y el hombre académico. Los autores estudiados son asimismo diversos: Luis de Castresana, Juan José Domenchina, Juan Gil-Albert, Max Aub, Francisco Ayala, Patricio Chamizo, Víctor Canicio, Terenci Moix, Antonio Muñoz Molina y Javier Cercas.

Men in Motion: Spanish Masculinities in Exiles and Emigrations, 1939-1999 by Iker González-Allende delivers the first sustained study of how the Spanish masculine identity, of both homosexual and heterosexual men, is impacted when men are compelled to leave their country. In it, González-Allende examines the literary output of Spanish male authors over three periods of emigration and exile: the long Republican exile from Spanish Civil War (1936-1939), the emigration to Europe during the Spanish economic crisis of the 1960s, and the recent period of emigration of intellectuals to the United States through the end of the twentieth century. Revealing and unpacking recurring patterns of isolation, insecurity, discrimination, and feminization in the host country, González-Allende argues that exile and emigration cause a crisis of powerlessness that can have a destabilizing effect on one's masculinity. González-Allende also examines a countervailing trend among Spanish exiles and émigrés of these periods; that from the same crisis some achieve a greater sense of freedom and improve their socioeconomic standing. Each of the seven chapters analyzes a different Spanish male exile or émigré: the adolescent, the man at a crossroad, the idle man, the returning man, the working man, the onanist, and the academician. Works studied are likewise from a range of authors: Luis de Castresana, Juan José Domenchina, Juan Gil-Albert, Max Aub, Francisco Ayala, Patricio Chamizo, Víctor Canicio, Terenci Moix, Antonio Muñoz Molina, and Javier Cercas.

Hombres en movimiento: Masculinidades españolas en los exilios y emigraciones, 1939-1999

Margot Versteeg

Propuestas para (re)construir una nación explores how Emilia Pardo Bazán (1851–1921) imagines and engenders the Spanish nation in her theatrical production staged and/or published between 1898 and 1909. In the aftermath of Spain’s colonial losses, when Spain’s male authors, in a growing mood of collective introspection, directed their attention to the homeland, Pardo Bazán generated a series of theatrical proposals to revitalize the nation. In her plays, she manifests her ideas about Spain’s fin de siècle crisis, reflects on Spain’s place in the international arena (emphasizing the nation’s civilizing mission), critiques the intoxicating power of the so-called golden legend (Spain’s glorious past), and sees the origin of the nation’s hardship in the lack of education of its inhabitants and in the inequality between men and women. 

Pardo Bazán’s vision of Spain is forward looking, and she imagines a future in which new social configurations will be possible. Instead of locating her plays in an ancestral Castile, she situates several of her works in her native Galicia. For the author, Spain’s regional issues are inseparable from the country’s national issues and these can all be traced back to the woman question. The playwright appeals to the spectators/readers’ reason and emotions in order to let them think and feel that the problems the nation faces can all be attributed to the Spanish men. For Pardo Bazán, Spain’s potential for national regeneration resides in the inner strength of women. 

In cross-fire with the main male players in the literary field of her time, Pardo Bazán offers her critique of national decadence in plays that cleverly subvert a broad range of by then outdated theatrical conventions, and that introduce the public to new currents of theatrical innovation (Ibsen, Maeterlinck, d’Annunzio). 

Propuestas offers a new perspective on the participation of female authors in the contentious debate about the Spanish nation. Pardo Bazán’s theater is an overlooked area in the author’s extensive creative production, and Propuestas challenges the so often repeated topic of the backwardness of the Spanish stage and the alleged lack of innovation during the fin de siècle. 

Propuestas para (re)construir una nación explora cómo Emilia Pardo Bazán (1851–1921) imagina y engendra la nación española en su producción teatral finisecular que vio la luz entre 1898 y 1909. A la zaga de la debacle de 1898, cuando la introspección colectiva dirige la mirada de los autores hacia la patria, Pardo Bazán genera una serie de propuestas teatrales para revitalizar la nación. En sus obras, expone sus ideas sobre la crisis finisecular, reflexiona sobre el lugar de España en la arena internacional (enfatizando su misión civilizadora), critica el poder embriagador de lo que llama la leyenda dorada (el glorioso pasado español) y ve la causa de los males de la patria en la falta de educación de sus habitantes y en la desigualdad entre hombres y mujeres.

En vez de enfocarse en el ayer, Pardo se imagina un futuro en el que nuevas configuraciones sociales sean posibles. En lugar de ubicar sus obras en una Castilla ancestral, sitúa varias de sus piezas teatrales en su Galicia natal. Para la autora los problemas regionales son inseparables de los nacionales y los problemas nacionales son inseparables de la cuestión de la mujer. La dramaturga apela tanto al raciocinio como a las emociones de sus espectadores/lectores para hacerles pensar y sentir que son los hombres los que constituyen el problema nacional. Para Pardo Bazán la clave de la regeneración de España se encuentra en la mujer.

En fuego cruzado con los jugadores más importantes del campo de producción cultural de su tiempo, Pardo Bazán ofrece su crítica de la decadencia nacional en unas obras que reciclan una serie heterogénea de materiales por aquel entonces anticuados que la autora combina de manera inteligente con formas inesperadas que introducen al público a nuevas corrientes de innovación teatral (Ibsen, Maeterlinck, D’Annunzio). 

Propuestas ofrece una nueva perspectiva de la participación de las autoras femeninas en el contencioso debate sobre la nación española. Dentro de la extensa producción creadora de la autora, su teatro es un terreno frecuentemente pasado por alto y Propuestas desafía el tan trillado tópico del retraso de la escena española y la supuesta falta de innovación durante el fin de siglo.

Propuestas par (re)construir una nación: El teatro de Emilia Pardo Bazán

Anastasia Valecce

Neorrealismo y cine en Cuba: Historia y discurso entorno a la primera polémica de la Revolución, 1951-1962 examina la historia estética y las relaciones entre la producción cinematográfica cubana y el neorrealismo italiano. El recorrido histórico comienza en 1951, antes del triunfo de la Revolución, y termina en 1962, año que marca la ruptura entre los cineastas cubanos y la estética neorrealista italiana. Las colaboraciones principales sucedieron entre los directores de cine Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa y el cineasta neorrealista italiano Cesare Zavattini. Las circunstancias que llevaron al fin de las relaciones entre Zavattini y los cineastas cubanos están conectadas a la película El joven rebelde, dirigida por García Espinosa y estrenada por primera vez en 1961. La ruptura se dio por divergencias creativas e ideológicas sobre la manera en que se quería retratar al protagonista del largometraje. Este detalle, que aparentemente puede parecer de menor importancia, tuvo repercusiones importantes que llevaron a un distanciamiento de García Espinosa, de Gutiérrez Alea, así como del resto de los cineastas cubanos que estaban trabajando en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) a partir de 1959, para buscar sus propias estrategias creativas con el fin de moldear una producción cinematográfica nacional. Sin embargo, cabe señalar que los cineastas cubanos no habrían encontrado la gramática necesaria para reescribir su cine revolucionario sin las colaboraciones y sobre todo sin la ruptura con Zavattini. Este nuevo lenguaje cinematográfico no habría podido existir sin las varias pausas y distancias que caracterizaron la relación cubana con el neorrealismo. En otras palabras, el intercambio fragmentado entre García Espinosa, Gutiérrez Alea y Zavattini creó nuevos espacios dentro de los cuales los cubanos pudieron encontrar oportunidades creativas para expresar su propia visión cinematográfica.

 Neorrealismo y cine en Cuba: Historia y discurso entorno a la primera polémica de la Revolución, 1951–1962 [Neorealism and Cinema in Cuba: History and Discourse on the First Polemic of the Revolution, 1951–1962] examines the aesthetic history and relations between Cuban film production and Italian Neorealism. The historical framework begins in 1951 before the triumph of the Cuban Revolution and ends in 1962, a year that marks a rupture between Cuban filmmakers and the Italian neorealist aesthetic. The main collaborations happened between Cuban directors Tomás Gutiérrez Alea and Julio García Espinosa and Italian neorealist filmmaker Cesare Zavattini. The circumstances that led to the end of the relationship between Zavattini and the Cuban filmmakers are connected to the film El joven rebelde [The Young Rebel], directed by García Espinosa and screened for the first time in 1961. The rupture centered on creative and ideological differences regarding the way in which the protagonist was to be portrayed in the movie. This seemingly minor disagreement had considerably larger repercussions, the end result of which was that García Espinosa and Gutiérrez Alea, as well as the rest of the Cuban filmmakers who worked within the Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) after 1959, were driven to find their own creative strategies to craft a national film production. However, the Cuban filmmakers would not have found the necessary grammar to rewrite their own revolutionary cinema without the rupture with Zavattini. This new cinematographic language could not have existed without the various pauses and the distances that characterized the Cuban relationship with Neorealism. In other words, the fragmentary interchange between García Espinosa, Gutierrez Alea, and Zavattini created new spaces in which the Cubans could find creative opportunities to express their own cinematic vision.

Neorrealismo y cine en Cuba: Historia y discurso en torno a la primera polémica de la Revolución, 1951–1962

Ómar Vargas

Arguably the most important Cuban writer of the twentieth century, José Lezama Lima (1910–1976) is well-known as a poet, essayist, cultural promoter, and novelist, but not as a scientist. In fact, there is no evidence of any concrete relationship between him and any pure science discipline. How then it is possible to establish connections between Lezama’s literary works and the disciplines of science? How are certain scientific discoveries and developments, such as the theory of relativity, quantum mechanics, modern logic, thermodynamics, or the big bang theory, embraced in the cultural imaginary of Cuba during the first half of the twentieth century? And finally, how do those scientific discoveries and developments inform Lezama’s aesthetic production?

Grounded in his disciplinary experience in both literary and mathematical studies, Vargas attempts to unearth the overlaps and connections between science and art, thus offering a new critical apparatus with which scholars can study Lezama’s works. In this book, he provides a close reading of Lezama´s narrative works, including his two novels—Paradiso and Oppiano Licario—as well as Lezama’s essays, press articles, and interviews. The author also examines the catalog of Lezama´s personal library, revealing that his poetics are based on an original and fascinating appropriation of concepts, problems, solutions, and rhetorical devices in science.

Probablemente el escritor Cubano más importante del siglo XX, José Lezama Lima (1910–1976) es reconocido como poeta, ensayista, promotor cultural, y novelista, pero no por su relación con alguna disciplina de las ciencias puras. ¿Cómo es posible entonces establecer algún tipo de asociación entre el pensamiento y la obra de Lezama con disciplinas científicas? ¿Cómo se registran en el imaginario cultural de la Cuba de la primera mitad del siglo XX ciertos descubrimientos y desarrollos científicos como la teoría de la relatividad, la mecánica cuántica, la lógica moderna, la termodinámica, o la teoría del big bang? Y finalmente, ¿quedan registrados esos descubrimientos y desarrollos científicos en la producción estética de Lezama?

Apoyado en la perspectiva que le brinda su formación académica tanto en matemáticas como en estudios literarios, Vargas intenta resolver estos interrogantes. Una lectura detallada de la obra narrativa del autor cubano, incluyendo sus dos novelas—Paradiso y Oppiano Licario—y de gran parte de sus ensayos, artículos de prensa y entrevistas concedidas por él, así como un examen cuidadoso de lo que sobrevivió de su biblioteca personal, muestran que la propuesta poética de Lezama está sustentada sobre una fascinante y original apropiación de conceptos, problemas, soluciones, y características retóricas del quehacer científico.

Purdue Studies in Romance Literatures - La serie de libros

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